Dipingere su legno con colori acrilici: tipologie di tecniche. Dipingere su legno con colori acrilici: tecniche per principianti

4. Fissaggio con vernice acrilica.

Materiali per la pittura

I principali materiali che saranno richiesti per la pittura acrilica su legno sono:

Carta vetrata per pulire la superficie del legno e conferirgli una leggera ruvidità. Questo viene fatto in modo che il design venga applicato in modo più accurato e sia durevole in futuro. Avrai bisogno di due tipi di carta vetrata: dura e morbida. Il legno viene scortecciato lungo la venatura.

Pennelli per dipingere su legno

I migliori pennelli per dipingere su legno sono pennelli morbidi di origine naturale. Particolarmente apprezzati sono lo scoiattolo e il kolinsky e, meno comunemente, lo zibellino. Tuttavia, i pennelli sintetici sono perfetti anche per i colori acrilici.

Prima del processo, è importante decidere le dimensioni appropriate per i pennelli, che sono indicate da numeri. Per i principianti, si consiglia di prendere un pennello grande, due medi e uno piccolo sottile.

È importante ricordare che tutti gli antichi dipinti commerciali hanno avuto origine nella classe contadina, nelle mani di persone a cui l'aratro e il martello erano molto più familiari del pennello. E se potevano farlo loro, puoi farlo anche tu! Nei dipinti tradizionali non è necessario disegnare volti, figure o mantenere la somiglianza con i ritratti. La cosa più importante è affinare la tecnica di disegnare elementi diversi, imparare a girare liberamente il pennello tra le mani e mescolare i colori. Devi avere un po' di pazienza, disegnando sempre gli stessi elementi, e alla fine imparerai a disegnarli perfettamente! Un numero piuttosto ridotto di semplici elementi di base e le loro combinazioni: tutto qui!

Ed è importante capire che se maestri riconosciuti di vari tipi di pittura potessero applicarlo senza prima disegnare, allora noi, semplici mortali, non possiamo applicare immediatamente il disegno con i colori, ma usare una matita, uno stencil, una copia carbone o una carta da lucido per iniziare, ma senza lasciarsi trasportare troppo. Dopotutto, se ricorri costantemente a disegni già pronti, la capacità di fantasticare in modo indipendente viene attenuata. Ricorda, la cosa principale è godersi sempre il processo di verniciatura.

Khokhloma-

Dipinto su legno, in cui sorbo e fragole, fiori e rami, e talvolta uccelli, pesci e animali sono applicati con colori vivaci su uno sfondo laccato nero. Il nome dello stile deriva dall'omonimo distretto di Nizhny Novgorod. Gli articoli principali su cui viene applicato Khokhloma: piatti, mobili, figurine, bambole matrioska.

Dipinto di Gorodets -

Dipinto su legno, in cui scene di genere della vita dei mercanti russi, animali e fiori sono raffigurati in colori intensi su uno sfondo dorato. Il nome dello stile deriva dalla città di Gorodets nella regione di Nizhny Novgorod. Gli oggetti principali su cui viene applicata la pittura di Gorodets sono: cassapanche, filatoi, mobili per bambini.

Dipinto su ceramica, in cui motivi floreali di diverse tonalità di blu con riccioli sono dipinti su sfondo bianco. Il nome dello stile deriva dalla regione "Gzhel Bush", formata da 27 villaggi nel distretto Ramensky della regione di Mosca. Gli oggetti principali su cui viene applicato Gzhel sono: piatti, vasi, figurine, teiere, taglieri, bambole nidificanti.

Dipinto Fedoskino -

Dipinto su legno, in cui ritratti di persone sono raffigurati su uno sfondo laccato nero. In questo caso, sulla base viene applicato un materiale riflettente: polvere di metallo, foglia d'oro, foglia d'oro, madreperla, che conferisce all'opera l'effetto di luminosità e profondità. Il nome dello stile deriva dal villaggio di Fedoskino vicino a Mosca. I principali oggetti su cui viene applicata la pittura Fedoskino sono: cofanetti, cofanetti, scatole, copertine di album, custodie per occhiali, portafogli, uova di Pasqua.

Dipinto della Dvina settentrionale -

Dipinto su legno, in cui personaggi e piante fiabeschi sono dipinti nei colori rosso e arancione su sfondo giallo. Il nome dello stile deriva dal fiume Dvina settentrionale, che scorre nelle regioni della Repubblica di Komi, Arkhangelsk e Vologda. I principali oggetti su cui viene applicata la pittura sono: piatti, cassapanche, cofanetti, poggiatesta.

Dipinto di Prikamsk -

Dipinto su legno, in cui immagini di piante e animali sono disegnate con colori rossi su sfondo arancione. Il nome dello stile deriva dal territorio adiacente al fiume Kama nella regione di Perm. Gli oggetti principali su cui viene applicata la pittura sono i mobili, le porte e le pareti della casa.

Dipinto di Zhostovo -

Dipinto di vassoi in metallo, in cui sono raffigurate semplici composizioni di fiori grandi e piccoli su fondo nero. Il nome dello stile deriva dal villaggio di Zhostovo, nella regione di Mosca. Gli elementi principali su cui viene applicata la pittura: vari vassoi.

Dipinto Mezen (Palaschel) -

Dipinto su legno, in cui lo sfondo non dipinto è coperto da un motivo frazionario arcaico: stelle, croci, trattini. Sono dipinti in due colori: nero - "fuliggine" e rosso - "vernice della terra". Gli elementi tradizionali della pittura Mezen sono dischi solari, rombi, croci. Il nome dello stile deriva dal fiume Mezen, che scorre nella regione di Arkhangelsk e nella Repubblica di Komi. I principali oggetti su cui viene applicata la pittura sono: filatoi, mestoli, scatole portaoggetti, bratine*.

Dipinto su legno in cui temi tratti da racconti popolari russi o eventi storici sono raffigurati su uno sfondo scuro. Il nome dello stile deriva dal villaggio di Palekh nella regione di Ivanovo. I principali oggetti su cui viene applicata la pittura sono: scatole, saliere, piatti, bambole nidificanti, pannelli, spille.

*La bratina è una specie di mestolo dal quale in epoca pre-petrina si beveva il vino durante le feste.

La pittura artistica come tipo di arte decorativa e applicata continua le tradizioni dell'arte popolare. Questa non è solo una certa serie visiva, la sua essenza è molto più grande, perché sembra fluttuare fuori dal tempo, unendo il lavoro di dozzine di generazioni di maestri. È organicamente connesso con la Patria - nel luogo della sua origine nella comunità di contadini (allevatori di bestiame, agricoltori, cacciatori).

Opinioni dei critici d'arte sulla pittura artistica

La pittura artistica viene applicata a prodotti realizzati con materiali naturali “democratici” tradizionali facilmente ottenibili: tessuti naturali, legno, argilla, pelle, pietra, osso.

Fino al XVII secolo i suoi germogli esistevano all’interno delle singole aziende contadine di sussistenza. Le competenze venivano tramandate dai maestri lungo la linea familiare, di generazione in generazione. Sono state affinate tecniche artistiche specifiche per consentire una presentazione ottimale dei prodotti. Sono stati scelti i metodi più espressivi e significativi per applicare l'ornamento. La pittura in architettura decorava il soffitto, le pareti, le volte, le travi e i pilastri e nella vita di tutti i giorni - piatti e oggetti di lavoro.

Nel periodo dal XVII al XVIII secolo, la pittura artistica in Russia si stava già trasformando in un mestiere che creava beni per il mercato. Non sono i singoli maestri che cominciano a impegnarsi in questo, ma le singole località e villaggi. Nel 19 ° secolo ebbe luogo un'organizzazione artistica dell'arte della pittura. Ad esempio, i maestri delle miniature Fedoskino si organizzarono in questo modo dopo la rovina dei proprietari privati ​​nel 1903 e preservarono la loro arte. Nel 1876, il professor A.A. Isaev iniziò a sistematizzare vari tipi di pittura. nella monografia in due volumi “Fuochi della provincia di Mosca”.

Negli anni '20 e '30 del potere sovietico, l'accento fu posto sulla creazione di arteli di pesca cooperativi nei luoghi in cui si erano storicamente sviluppati centri di arte popolare, sviluppando tipi di pittura originali. Ad esempio, il dipinto di Khokhloma nella regione di Nizhny Novgorod.

La strategia per lo sviluppo della pittura, come altri tipi di arte decorativa e applicata, è stata concettualizzata e delineata dallo scienziato e insegnante Vasily Sergeevich Voronov nella monografia “On Peasant Art”.

Attualmente, le imprese di pittura artistica stanno sviluppando attivamente tipi di pittura per soddisfare la domanda sia nel mercato russo che all'estero. I prodotti dipinti, pur mantenendo la loro funzione quotidiana, acquisiscono sempre più caratteristiche di valore estetico e artistico. Per la loro produzione vengono utilizzate macchine moderne e attrezzature speciali per la sgrossatura e i lavori preparatori. Il principale lavoro creativo, come diversi secoli fa, è svolto manualmente da maestri artisti.

La pittura come arte

È impossibile non notare che la pittura nazionale cambia l'immagine stessa del prodotto. Diventa più espressivo a livello di combinazione di colori, ritmo delle linee e proporzionalità. I beni industriali “senza anima” diventano caldi e vivi grazie agli sforzi degli artisti. Quest'ultimo si ottiene applicando ornamenti ed elementi d'arte (grafica e pittura). Vari tipi di dipinti creano uno speciale background emotivo positivo, in sintonia con la località dell'industria della pesca.

Formalmente la pittura artistica viene eseguita applicando i colori su una superficie specifica con un pennello. Va notato un punto importante: a differenza della pittura, che modella uno spazio integrale, la pittura è sempre frammentaria.

Gli specialisti del design parlano spesso del fenomeno della pittura russa: si armonizza universalmente con quasi tutti gli stili: minimalismo, moderno, country. Le tecniche create dagli antichi maestri sono state affinate da molte generazioni di artigiani in alcune zone, creando una speciale espressività stilistica. Fortunatamente, nella Russia del 21 ° secolo, vari tipi di pittura sono stati preservati e si stanno sviluppando: Gzhel, Khokhloma, Boretskaya, Gorodets, Mezenskaya, Onega, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Paidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya. Consideriamo le caratteristiche di questi stili originali.

Video sull'argomento

L'emergere di Khokhloma

La capacità di dipingere il legno in colore dorato senza utilizzare, infatti, l'oro è stata trasmessa ai maestri Khokhloma da pittori di icone scismatici, che scoprirono questo know-how nel XII secolo nella natura selvaggia e segreta delle foreste della regione del Volga. A proposito, avevano familiarità con i mestieri che forniscono la pittura: la tornitura e l'arte dell'ornamento antico. Forse conoscevano anche gli antichi tipi di pittura,

Khokhloma, un grande villaggio commerciale nella regione di Nizhny Novgorod, nella regione del Volga, ha attratto abili artigiani come una calamita.

Questa, in termini moderni, fiera regionale per un gruppo di villaggi lungo le rive del fiume Uzola non funzionava solo per il mercato interno russo. I ricchi mercanti vi acquistavano grandi quantità di beni popolari e li trasportavano per l'esportazione. Pertanto, il mercato Khokhloma era “sotto il radar” sia dei mercati nazionali che di quelli esteri, il che significa che la concorrenza sulla qualità ha prevalso sulla concorrenza sui prezzi. È stato creato un vero incentivo: l'abilità di una persona esperta gli ha portato ricchezza tangibile.

Secondo la ricerca di specialisti, nel periodo dal XII al XVII secolo, si è evoluto lo stile Khokhloma, in cui sono stati integrati gli antichi tipi di pittura su legno di Nizhny Novgorod.

Nel periodo dal XVII al XVIII secolo prese forma principalmente lo stile Khokhloma. Nel nostro tempo, i suoi focus sono:

Fabbrica "Khokhloma Artist", che impiega artigiani dei villaggi del distretto di Koverninsky (Semino e altri). I loro dipinti sono dominati da fiori di campo e bacche selvatiche;

Associazione "Pittura Khokhloma", Semenov. I maestri dell'associazione sviluppano tradizionalmente il tema dei fiori fantastici.

Tecnologia Khokhloma

L'abilità monastica del “pennello sottile” trovava applicazione nei disegni floreali più ricchi. La qualità dei prodotti ha giocato un ruolo importante. L'arte di Khokhloma presupponeva l'adesione dei maestri a una certa tecnologia. È caratteristico che non sia cambiato fino ad oggi. Elenchiamo in ordine le sue fasi:

Tornitura di un pezzo di stoviglie di legno (“lino”) al tornio;

Adescamento dei pezzi con una soluzione liquida di argilla appositamente preparata ("albero"). Oggigiorno vengono utilizzati primer artificiali a questo scopo;

Stagnatura con stagno o argento. Al giorno d'oggi usano l'alluminio per questo;

Pittura artistica su legno ed essiccazione del prodotto in forno;

Verniciatura ed essiccazione a caldo.

Il trattamento termico intensivo dei prodotti ha determinato la combinazione di colori preferita dagli antichi pittori russi: una combinazione di oro e cinabro rosso con il nero. Quelli. la temperatura delle stufe Khokhloma non ha influito sulla luminosità e sul contrasto di tali vernici.

Metodi di pittura Khokhloma

Antichi tipi di pittura su legno, integrandosi in Khokhloma, determinavano i suoi due sistemi: scrittura “di sfondo” e “montagna”. Il nome stesso del sistema contiene un metodo per applicare i contorni principali della silhouette.

Il sistema “top” prevede l’applicazione di un contorno colorato direttamente su uno sfondo dorato. Quello di fondo forma un “contorno” dorato direttamente dal fondo, “disegnando” lo spazio circostante i “riccioli dorati” con i colori nero e rosso del maestro.

Ciascuno dei sistemi utilizza gli stessi tipi di pittura Khokhloma. Ce ne sono solo quattro: “ricciolo”, “sotto la bacca” (o “sotto la foglia”); “sotto il pan di zenzero”; "sotto lo sfondo."

"Kudrina" suggerisce un motivo "erba" dipinto con un pennello molto sottile. Assomiglia in qualche modo al carice, tuttavia, arricciato con intricati anelli dinamici armoniosi. Secondo gli esperti, questo è l'ornamento più antico.

"Sotto la bacca" - dipinto con un pennello più spesso. Oltre alla “base a base di erbe”, qui compaiono già foglie e bacche. La forma vegetale è stilizzata e combinata. Sullo stesso “gambo” si possono vedere sia le foglie di camomilla che quelle di fragola.

La pittura "pan di zenzero" implica giocare con una certa forma geometrica (il più delle volte un rombo). La figura è ravvivata da “cespugli” ai lati e illuminata dal sole al centro.

Con il metodo "sotto lo sfondo", viene disegnato in sequenza il contorno della pianta, dopodiché viene dipinto lo sfondo libero rimanente, per lo più nero.

Grazie all'unicità del pennello di ogni maestro, Khokhloma è unico e inimitabile. Su di esso si alternano i tipi di pittura di cui abbiamo parlato sopra, deliziando l'occhio con l'armonia dei colori dorato, rosso e nero.

Gzhel. Trovare argilla per la porcellana

Gzhel come arte della pittura artistica è nata sul territorio del moderno distretto Ramensky della regione di Mosca. Ai vecchi tempi, questi luoghi erano chiamati Gzhel volost e in questa zona si trovavano i villaggi di Bokhteevo, Volodino, Gzhel, Kuzyaevo, Novokharitonovo e Turygino.

Fino al XVII secolo, i contadini locali producevano ceramiche smaltate relativamente primitive in argilla. La situazione cambiò grazie allo sviluppo industriale delle argille locali adatte alla produzione della porcellana. Il punto di partenza fu l'ordine dello zar Alexei Mikhailovich di scoprire "argille adatte" per la produzione di vasi da farmacia - nel 1663.

L'esperimento ebbe successo: nel 1710 l'ordine delle farmacie cominciò ad utilizzare materie prime locali. I farmacisti lodarono la qualità delle argille e arrivò il momento in cui gli industriali se ne interessarono. Erano interessati alle materie prime adatte alla produzione della porcellana. Con decreto dello zar, nel 1844 fu creata una commissione, che comprendeva il proprietario di una fabbrica di porcellana a Mosca, Afanasy Grebenshchikov, e l'ingegnere della manifattura Porcelinovo, Dmitry Ivanovich Vinogradov, che ricevette una formazione in ingegneria mineraria presso l'Università di Marburg . Abbiamo trascorso cinque anni alla ricerca dell'argilla giusta. Nel 1849, dopo otto mesi di ricerche, furono estratte delle argille dalle quali venne prodotta porcellana di prima qualità. Lo stesso M.V. Lomonosov, compagno di studi di Vinogradov, ha parlato molto bene della loro qualità.

Gzhel. Sviluppo produttivo

L'industriale Grebenshchikov iniziò a utilizzare le materie prime trovate nel suo stabilimento di Mosca. Tuttavia, le persone intelligenti del villaggio di Gzhel e dei villaggi circostanti, tra l'altro, come abbiamo accennato, avevano già abilità con la ceramica e si resero conto dei vantaggi dell'utilizzo di argille di qualità superiore.

Le cose andarono bene, poiché nei villaggi vivevano ottimi consulenti: addetti alla produzione dello stabilimento di A. Grebenshchikov. Nel periodo dal 1750 al 1820, gli artigiani producevano maioliche: brocche oblunghe, piatti, boccali e stoviglie. La pittura ornamentale è stata eseguita con vernice verde, gialla, blu e melanzana su sfondo bianco. L'immagine includeva un uccello al centro e attorno ad esso c'erano alberi, cespugli e case. (cioè ha dimostrato tipi primitivi di pittura su stoviglie). I piatti erano richiesti. È nata la competizione sulla qualità. I leader erano ex fabbriche di ceramiche, che producevano semi-faience di alta qualità identiche ai piatti “stranieri”.

L'abilità è stata affinata in oltre 80 anni e dal 1820 quasi tutti gli artigiani di Gzhel producono semi-maiolica. Questo è il periodo di massimo splendore dell'arte Gzhel. I prodotti dei maestri possono essere visti anche all'Ermitage. Queste stoviglie iniziarono ad essere considerate le migliori e le più eleganti in Russia. Le caratteristiche teiere, ciotole e piatti Gzhel dipinti riempivano le case di mercanti, nobili e taverne. I tipi di verniciatura vengono migliorati. Gzhel viene acquistato in tutto il paese, da Arkhangelsk ad Astrakhan, ed esportato in Asia centrale e Medio Oriente. I prodotti sono prodotti da circa trenta fabbriche. I seguenti produttori sono impegnati nella produzione di Gzhel: Barmins, Guslins, Gusyatnikovs, Kiselevs, Terekhovs, Sazonovs.

Sfortunatamente, a partire dal 1860, la pittura di Gzhel iniziò a declinare. L'arte popolare, nata dalla concorrenza di centinaia di piccoli produttori e decine di medi produttori, viene schiacciata dal pragmatismo dei grandi monopoli. Tra i monopolisti spiccava M. S. Kuznetsov, con le sue cinque fabbriche e una produzione annua di 2,1 milioni di rubli. La capacità produttiva di tutti gli altri era pari al 14% di quella di Kuznetsov. In effetti, è stato il produttore Kuznetsov a "schiacciare" la creatività. La competizione è scomparsa, la motivazione è diminuita, la qualità è diminuita e il declino è iniziato.

Come gli artisti dipingono Gzhel

Gzhel è unico in quanto ogni maestro, utilizzando tipi classici di pittura artistica, crea la propria tecnica individuale.

Questa è un'arte sottile. Il ruolo principale spetta all'esperienza del maestro, che si manifesta nel modo in cui il pennello si muove. Allo stesso tempo, sul candore nevoso della porcellana, si ottiene un armonioso cambiamento di colore dal blu intenso al blu sfocato. Tutto questo è dipinto con un'unica vernice: il cobalto. Il motivo viene applicato alla superficie “la prima volta”, rapidamente.

Perché è importante la bravura dell'artista? Inizialmente i colori reali del disegno non sono visibili (caratteristica del cobalto). Tutto ciò che è raffigurato sembra essere di un solo colore e solo quando il Gzhel viene cotto nel forno il disegno apparirà per intero.

Qual è la composizione di Gzhel? Il ruolo centrale in esso è solitamente svolto da un fiore decorato. Ai lati di esso si snoda armoniosamente una trama “erbacea”, arricchita di foglie e bacche. Accade che in questo disegno siano intrecciate scene animalesche o legate alla vita di tutti i giorni (ad esempio, a casa).

Come si ottiene effettivamente un disegno come questo? I tipi di pittura artistica per "dipinto per la prima volta" Gzhel in realtà si riducono ai metodi di applicazione del tratto. Ce ne sono solo quattro: una pennellata sfumata, la pittura con un pennello, un motivo Sitchik e immagini complementari.

La pennellata a rete sfumata è caratterizzata da un'ampia gamma cromatica dovuta alla diversa intensità di applicazione del cobalto attraverso uno speciale giro di pennello da parte dell'artista.

Dipingere con un pennello è caratterizzato dal fatto che ogni tratto successivo ha un tono diverso dal precedente. Allo stesso tempo, l'intensità dei tratti diminuisce gradualmente, “si schiariscono”.

Il modello Sitchik è il più sottile. Si disegna con una sola estremità del pennello.

I tipi di dipinti utilizzati da Gzhel non sono caratterizzati dalla replica fotografica di motivi naturali, ma vengono reinterpretati e presentati in una configurazione inaspettata. Le foglie e i petali blu reinterpretati di tulipani, astri, garofani e rose blu raffigurati dall'artista seguono i contorni di uccelli o animali. A volte delineano oggetti o oggetti di uso quotidiano stilizzati (ad esempio, capanne contadine).

Immagini complementari del tipo “erba” - viticci, spirali, elementi di ombreggiatura, tratti vari, frammenti geometrici - conferiscono completezza all'immagine e creano gli accenti necessari.

L'emergere della pittura di Polkhov-Maidan

La pittura popolare russa è varia. Le sue tipologie in tutta la loro diversità, forse, possono essere descritte in una monografia specializzata, ma non in un articolo. Pertanto, il nostro compito è più modesto. Abbiamo già nominato i tipi di pittura più “promossi”: Khokhloma e Gzhel. Tuttavia ce ne sono altri, sono tutti originali e ce ne sono parecchi. Ne citiamo alcuni: Boretskaya, Gorodetskaya, Mezenskaya, Onezhskaya, Permogorskaya, Pizhemskaya, Polkhovsko-Maidanskaya, Puchuzhskaya, Rakulskaya, ecc. Senza poter parlare di tutti in dettaglio in questo articolo, presenteremo una descrizione dell'unico di essi: Polkhov-Maidan.

Questo dipinto è nato all'inizio del XX secolo nel distretto di Voznesensky nella regione di Nizhny Novgorod. Qui nei villaggi di Polkhovsky Maidan e nel villaggio di Voznesenskoye alla fine del XVIII secolo ci fu un commercio di svolta dei monaci del monastero di Sarov. I contadini impararono anche il mestiere della tornitura, divenendo abili artigiani nella fabbricazione di utensili in legno. Gli artigiani producevano anche, come li chiamavano, i “tararushki”, cioè oggetti per il divertimento: fischietti, funghi, bambole che nidificano, uova di Pasqua, giocattoli per bambini.

L'impulso per la creazione della pittura fu l'acquisizione di un apparecchio per la combustione da parte del contadino Polin Pavel Nikitich e dal 1926 la risvegliata creatività dei contadini li portò a dipingere prodotti con colori ad olio e dal 1933 furono sostituiti con colori all'anilina.

Dopo che la creatività dei residenti di Polkhov fu adottata dai residenti di Zagorsk, Merinov e Semyonov, furono creati nuovi tipi di pittura di bambole nidificanti (toccheremo questo argomento più avanti).

Tecnologia dello stile pittorico Polkhov-Maidan

Innanzitutto, la superficie del prodotto in legno è stata levigata e trattata con pasta di amido. Quindi il contorno del disegno è stato disegnato con inchiostro, dopo di che è stato eseguito il dipinto. Per questo sono state utilizzate vernici di quattro colori: rosso, giallo, verde e blu. Successivamente veniva eseguita la “puntatura”, fase artistica caratteristica dello stile Polkhov-Maidan, che consisteva nel delineare in nero il contorno del disegno. Aggiungiamo che questo tipo di pittura prevede una tecnica come la sovrapposizione dei colori.

Questo tipo di arte utilizza anche una tecnica speciale di pittura senza contorni.

Abbiamo menzionato questo tipo di pittura per un motivo. Fiorì in URSS fino agli anni '90 compresi. Cinquemila persone lavoravano nella fabbrica di Voznesensk. Di questi il ​​40% sono artisti che eseguono lavori di pittura, il resto sono tornitori. Si avvicinavano al lavoro in modo creativo e in fabbrica c'era un laboratorio creativo. I prodotti venivano esportati negli Stati Uniti e nei paesi europei. Oggi le tradizioni stabilite dalla fabbrica vengono sviluppate dagli imprenditori.

Sua Maestà Matrioska

La pittura russa non si è sempre sviluppata in modo evoluzionistico. Le sue opinioni a volte emergono inaspettatamente, non dalle “profondità dei secoli”. Sono stati generati dall'intuizione di un creativo maestro russo. Questo è quello che è successo con la bambola che nidifica. Non è un'invenzione nativa russa.

La matrioska apparve in Rus' nel XIX secolo a Sergiev Posad. La moglie dell'artista Sergei Vasilyevich Malyutin nel 1898 portò dal Giappone una statuina del vecchio Fukuruma, che conteneva altre quattro figure (a proposito, secondo la leggenda giapponese, la prima statuina del genere fu realizzata da un monaco russo). Sergei Vasilievich ha ripensato la sua idea “in russo”. È nata un'idea brillante: modellare una tipica famiglia russa. Il nome Matryona era allora popolare nella Rus'. Inoltre, come credeva Milyutin, riecheggiava l'antico nome romano della madre della famiglia.

Sergei Vasilyevich ha realizzato un disegno di una statuetta con otto allegati. La donna era seguita dalla figlia con il gallo nero, poi dal figlio, poi ancora da una ragazza, l'ottava figura era un bambino. Le loro forme sono state scolpite nel legno dal tornitore V.P. Zvezdochkin. Lo stesso Sergei Vasilievich ha dipinto la figura.

Produzione di bambole nidificanti. Tipi di pittura

La popolarità mondiale della bambola nidificante e il suo riconoscimento da parte del mondo risalgono al 1900, quando "uscì nel mondo" - all'Esposizione Mondiale di Parigi.

L'arte popolare potrebbe passare oltre la bambola che nidifica? Già nel 1899, l'intero Sergiev Posad produceva nuove bambole affascinanti: ragazze e donne, rubiconde, in caftani e grembiuli o in sciarpe e prendisole, con cestini, animali domestici, uccelli, fiori. Lo stile Zagorsk (come sapete, Sergiev Posad è stato ribattezzato Zagorsk) si distingueva per il suo pittoresco e l'attenzione ai piccoli dettagli.

Dal 1922, le bambole matrioska iniziarono a essere prodotte anche nel villaggio di Merinov, nella regione di Nizhny Novgorod. Il tornitore locale A.F. Mayorov, dopo aver acquistato una bambola matrioska Sergievskaya, l'ha trasformata "sua". Sua figlia ha dipinto le figure. I Meriniani padroneggiarono rapidamente la produzione di queste complesse figurine. La bambola da nidificazione Merinovskaya è decisamente luminosa, anche se con meno dettagli di quella di Zagorsk.

Il terzo "deposito di bambole nidificanti" era il villaggio di Polkhovsky Maidan, famoso per i suoi tornitori e i suoi dipinti. La bambola da nidificazione Polkhovskaya ha le sue caratteristiche:

Un volto dipinto fugacemente, a piccoli tratti;

Il luogo dei contorni della sciarpa e delle linee del prendisole (gonna), dai 2/3 posteriori della matrioska è dipinto di scarlatto (rosso) o verde. Il colore della sciarpa contrasta con esso. Nella zona della fronte della matrioska è dipinto un fiore di rosa di abete rosso. Il grembiule è segnato: dal collo a terra. Il dipinto del grembiule è raggruppato “lungo un ovale”. Al centro c'è un ramo con una rosa aperta, foglie e bacche. La composizione è completata da margherite e nontiscordardimé.

La più difficile da realizzare è considerata la bambola da nidificazione di Vyatka, che gli artigiani locali intarsiano con cannucce.

Conclusione

La pittura artistica russa come tipo di arte decorativa e applicata si basa su una profonda tradizione popolare, sulla consapevolezza delle persone su cosa sia la Patria, cosa sia una famiglia. È collegato alla vita secolare dei nostri antenati, quindi i prodotti dipinti portano una carica di calore, umanità e un atteggiamento creativo nei confronti della vita. Decorano davvero la vita di una persona moderna, sostituiscono l'“impersonalità” e introducono elementi di decorazione dello spazio abitativo.

La pittura artistica aggiunge anche alcuni accenti alle nostre vite, ricordandoci la continuità, la Patria e il dovere umano universale di ogni persona di rendere più bella la vita intorno a noi.

Dipingeremo il tagliere della cucina. Disegniamo una rosa.

Avremo bisogno:

Questa è la tavola da cucina che ho comprato:

È piccolo, 20x15 cm, fatto di una specie di legno denso e non resinoso. Ben levigato, quindi non è necessario alcun pretrattamento.

Disegna un disegno a matita. Cerca di non premere troppo forte mentre disegni, perché... non si lava bene. Non preoccuparti, la matita sarà visibile sotto la vernice. Se non sei sicuro delle tue capacità, puoi tradurre l'immagine che ti piace; penso che sia meglio premendo lungo i contorni.

Iniziamo a colorare. Dopo aver dipinto, sciacquare immediatamente e abbondantemente il pennello, perché se la vernice sul pennello si asciuga, basta buttare via il pennello e applicare ogni strato dopo che quello precedente si è completamente asciugato. Puoi asciugarlo con un asciugacapelli, ma, in linea di principio, le vernici si asciugano abbastanza rapidamente. Per prima cosa applichiamo lo sfondo generale con un pennello spesso e diluiamo la vernice con acqua sulla tavolozza. (nella foto sotto le foglie sono lucide perché la vernice non si è asciugata)

(Diluiamo la vernice con acqua solo per applicare lo sfondo generale dell'immagine, quindi dipingiamo con vernice densa, bagnando solo leggermente la punta del pennello in modo che la vernice non si diffonda). Poi con un pennello sottile disegniamo le zone più scure del fiore. Disegna le linee nella direzione delle venature dei petali, dalla base.

Più vicino alla base, più scure saranno le sfumature. Infine, applica la vernice bianca sulle curve dei petali. Ciò renderà il fiore più voluminoso.

Sulle foglie, disegna prima le venature - dal fusto, dalla vena centrale, poi - i denti sui bordi, cercando di disegnare con un pennello sottile dal bordo, arrotondando verso le venature. Infine, applica la vernice gialla dove (secondo te) cade la luce del sole).

Se necessario, utilizzare un pennello sottile per disegnare ulteriormente i contorni dei petali con una tonalità più scura.

Ora disegniamo l'ornamento con un pennarello. Se non hai un pennarello, puoi applicarlo con un pennello sottile.

Se hai un dispositivo di masterizzazione, puoi bruciarlo. Volevo fare proprio questo, ma non sono riuscito a trovare il bruciatore (l'ho nascosto in un posto sicuro). In generale, mi piace di più l'ornamento bruciacchiato, ma... ora aggiungiamo un po' di volume all'ornamento con vernice bianca. Dipingiamo il perimetro del tabellone.

Per fissare il disegno in modo più affidabile, copriremo il tutto con 2-3 strati di vernice acrilica o colla acrilica, che, secondo me, è la stessa cosa, solo in concentrazioni diverse.

La vernice acrilica non è velenosa (nota che non l'ho detto).

La cui storia risale al II secolo a.C. e., quando le persone impararono a fabbricare il ferro e da esso vari coltelli, raschietti, seghe e altri utensili da taglio.

Tuttavia, non bastava semplicemente scolpire un prodotto nel legno, l'uomo voleva che il risultato del suo lavoro fosse bello. Così apparivano antichi dipinti su legno, primitivi e tutt'altro che artistici, ma avvenne la nascita dell'arte. In quei tempi lontani esistevano già le vernici, non restava che applicarle correttamente.

Dipinto artistico su legno

L'artigianato popolare che esiste oggi per realizzare articoli per la casa si basa su una varietà di tecniche. I prodotti in legno sono presentati in diverse categorie: innanzitutto stoviglie e utensili da cucina. Il secondo elenco comprende elementi che rappresentano belle arti. Si tratta di pannelli dipinti, decorazioni interne e vari articoli per la casa. E infine, la terza categoria sono i mobili in legno in stile vintage, dipinti in uno speciale modo antico. In tutti e tre i casi viene utilizzata la pittura artistica su legno tal quale. Il valore dei prodotti è indubbio, poiché su di essi lavorano professionisti.

Varietà

I dipinti su legno sono di diversi tipi e differiscono per la loro appartenenza a una particolare regione, oltre che per lo stile. Il disegno può essere trama o ornamentale.

Tipi di pittura su legno:

• Mezenskaja;
• Polkhovskaya;
• Khokhloma;
• Gorodets;
• Palech;
• Severodvinskaja;
• Petrikovskaja

Vengono elencati i principali tipi di verniciatura del legno. Ogni varietà contiene caratteristiche "marchiate" che conferiscono al prodotto ulteriore attrattiva.

Dipinto Mezen

La pittura Mezen (o come viene anche chiamata palaschelskaya) è la pittura di oggetti domestici: mestoli, scatole, filatoi, panche e tavoli da cucina. Queste tradizioni artistiche apparvero nel corso inferiore del fiume Mezen intorno al 1815.

La pittura Mezen consiste principalmente di immagini ornate di abitanti della foresta: cervi e alci, ghiottoni, volpi e cuccioli di orso. Tutte le immagini sono impersonali e portano l'impronta della staticità. I fregi composti da figure che si ripetono ripetutamente, dipinte con colori vivaci, danno l'impressione di festosità e lusso provocatorio, poiché le strisce colorate degli ornamenti non si adattano allo squallido arredamento di una casa russa. Un filatoio primitivo, dipinto in stile Mezen e scintillante di colori in un angolo buio, non faceva altro che enfatizzare la desolazione della stanza superiore.

Palekh

La pittura Palekh è un'arte popolare apparsa in epoca pre-petrina. A quel tempo, il villaggio di Palekh nella provincia di Ivanovo era famoso per i suoi pittori di icone. Quest'arte raggiunse la sua massima fioritura alla fine del XVIII secolo. I Paleshan, oltre a dipingere icone, furono coinvolti nel restauro di cattedrali e chiese e presero parte alla progettazione delle cappelle della Trinità-Sergio Lavra e del Convento di Novodevichy.

Fino all’inizio del XX secolo fiorì il commercio della pittura Palekh; le tempeste rivoluzionarie del 1905 e del 1917 quasi distrussero la raffinata arte popolare. Poiché dopo il 17° anno tutte le chiese furono abolite da rappresentanti ignoranti delle autorità comuniste, non c'era più nulla da dipingere e gli artisti poleshan crearono un artel producendo prodotti artistici in legno.

Ben presto la prima opera in stile palekh fu creata in un laboratorio di Mosca. Su una scatola di legno ricoperta di vernice nera, Ivan Tsarevich, uscito dalle camere reali verso la libertà, incontra l'Uccello di fuoco. L'intero quadro era dipinto in oro e cinabro: era impossibile distogliere lo sguardo dal disegno.

Attualmente, la pittura su legno Palekh è un'arte profondamente tradizionale, con l'unica differenza che il legno naturale è stato sostituito con la cartapesta. Ora i prodotti con la pittura Palekh non sono solo belli, ma anche leggeri.

Khokhloma

Un'antica arte popolare sviluppatasi nei villaggi della provincia di Nizhny Novgorod nel XVII secolo. Il centro divenne il villaggio di Khokhloma, dove si radunarono i vecchi credenti, perseguitati per la loro fede. Tra i coloni c'erano molti pittori di icone che portarono con sé squisite abilità pittoriche, scrittura calligrafica e molti esempi di motivi floreali.

I residenti locali che vivevano a Khokhloma e nei villaggi vicini conoscevano le tecniche di tornitura del legno, ma non sapevano disegnare. Si è scoperto così che i piatti di legno, torniti sul posto, erano stati dipinti da artisti in visita. È così che è apparsa l'arte della pittura Khokhloma, che si è trasformata in uno dei mestieri artistici più famosi in Russia.

Gli intagliatori del legno non si limitavano a tornire piatti e stoviglie, ma impararono presto a intagliare cucchiai e mestoli, i classici “fratelli”. Di solito il mestolo era realizzato a forma di cigno e ai lati erano appese una dozzina di palette. Il materiale era il legno di tiglio, che per sua natura non ha fibre e si taglia facilmente in tutte le direzioni.

Il dipinto Khokhloma è composto da quattro colori primari: nero, oro, rosso e verde. Il nero e l'oro sono usati come sfondo, mentre il rosso e il verde, insieme alle loro sfumature, compongono il disegno vero e proprio. Il tema del disegno in stile Khokhloma sono spesso bacche di sorbo, fragole, fiori vari e piante erbacee. A volte l'artista utilizza immagini di uccelli, pesci e piccoli animali.

Intaglio e disegno

L'artigianato popolare russo (come il gorodet o il khokhloma) è un prodotto in legno ricoperto da un motivo. In primo luogo, gli ebanisti realizzano pezzi grezzi di legno selezionato, il cosiddetto "lino", e poi gli artisti li ricoprono con un disegno. In questo caso l'intaglio del legno e la pittura sono inseparabili: si completano a vicenda. Il tipo più comune di bianco dipinto è la bambola russa. Per la sua produzione viene utilizzato il metodo dell'intaglio tornito, quando il prodotto viene tornito, lucidato e poi verniciato. Questo souvenir è conosciuto in tutto il mondo ed è molto richiesto da molti anni.

È possibile imparare a dipingere il legno?

Le arti e i mestieri popolari appartengono alle belle arti e richiedono una certa preparazione, ma chiunque abbia pazienza e perseveranza può padroneggiare i principi di base della colorazione dei prodotti. Esistono tecniche speciali chiamate "Pittura su legno per principianti", che includono la familiarità con il processo e il lavoro pratico. Inizialmente, le lezioni sono di natura generale e, dopo aver acquisito le competenze, puoi passare a uno stile artistico specifico, ad esempio Gorodets. In ogni caso, dipingere su legno è un processo creativo affascinante per i principianti.

Metodi di colorazione

Il legno naturale è un materiale che richiede un'attenta prelavorazione. La superficie da verniciare deve essere liscia, senza sbucciature o crepe. Il pezzo viene prima levigato con tela smeriglio e poi rivestito con uno speciale primer, che riempie tutte le crepe microscopiche e uniforma le piccole irregolarità. I difetti più grandi possono essere eliminati utilizzando lo stucco. Dopo il pretrattamento, il pezzo deve essere accuratamente asciugato.

I prodotti di arte popolare in legno si distinguono per i colori brillanti e intensi. I disegni solitamente contrastano con lo sfondo, nero o rosso vivo. Per i prodotti vernicianti si utilizzano tempere o colori a guazzo artistici, che hanno un buon potere coprente. I risultati più duraturi si ottengono con la pittura acrilica su legno, soprattutto se il disegno è ricoperto sopra con vernice nitro trasparente. I prodotti dopo questo trattamento diventano resistenti all'abrasione e non cambiano colore.

La pittura su legno (le foto dei prodotti finiti sono presentate nella pagina) è un tipo di arte artistica che affonda le sue radici in un lontano passato, ma vive e fiorisce nel presente.